Archive de l'auteur

As a small boy, Raphael aka Seize Happywallmaker, was an only child – he had no brothers or sisters to play with. His reality was the one that he constructed in his mind. Using colours and patterns to create stories, his life became an adventure in creativity.

Art was never a choice he made. He told stories in his head, as many young people do. It might have been film or it might have been music, but drawing scribbles that seem indecipherable to adults, yet make perfect sense to a child’s imagination, is the medium that took root and stuck. The same childlike awe that gripped his earliest work still inspires him today.

When you’re so small and the world is so big, everything is an adventure. As we begin to grow into our surroundings, we also grow out of the spirit that inspired our younger selves to just do. Not think and plan, but imagine and create.

Boredom was the enemy and art was his knight in shining armour. A traditional background in graffiti was the progression that his youthful scribbles took. It made sense, but it didn’t quite feel right. Always engrossed in works of science-fiction, Seize began to draw on the influence of parallel worlds to begin making his own unique mark in the graffiti world. It started with a simple, yet odd question to himself.

If an extra-terrestrial made graffiti, what would his style be?

All that has followed has been a quest to answer this question. The recent blockbuster hit film Arrival gave the world a new perspective on what extra-terrestrials could look like. They might not even take on a physical form – certainly not one that inhibits the senses we have developed as humans. It also showed us how they may communicate in their own language. The work of Seize is very similar in concept.

The pieces are constructed of abstract shapes and colours that take on the form of crop-circles, yet look like neural pathways as mapped by a city’s metro system. His output is part of his idea of post-graffiti. It isn’t entirely removed from the more traditional graffiti, retaining a similar sentiment and attitude, only it has lost the typical form, whilst still retaining the function of the graffiti throw-ups and tags we’d expect to see. As he says – this is the work of an extra-terrestrial mind and the paintings are its mark.

Where the form elapses most from the traditional idea of graffiti isn’t even the ‘lettering’ as such, but the way that it seems to be malleable on the walls of the buildings. It’s a strange interplay between colour and concrete, as if his work is constantly growing or evolving – it’s a living organism that he channels.

In allegedly uninhabitable environments, life is forced to warp and manipulate its physiology into whatever form necessary – to first survive and then thrive. The survival stage is where Seize began – first his artwork had to find their footing and realise a physical existence. Now that he has become comfortable with his abstracts works, the next mission is to thrive.

Such conditions means that unpredictability and chaos reign. It’s an environment where anything could develop, dictated only by the ecosystem of the place. The walls similarly influence what he creates. The pieces sometimes manifest over entire walls, at other times they meander through derelict concrete shells.

For Seize, his paintings are constructed from elaborate and intricate symbolic codes. Who can decipher them? Well, anyone if they try. Such is the nature of interpretation. The goal is to help connect. Not only people with his work, but humankind to their environment. We must realise that like his work, we too are adapting – evolving (or possibly devolving). We are certainly changing and we must realise that.

I wondered then, what would be the dream location for Seize’s work? He tells me that it would not matter so much where it is in the world, rather what the location is like. In environments, like other planets, that force his figures to become challenging and unpredictable, forcing them to interact with their environment in news ways. This is the dream. Most recently that was Martinique. Next – Mars.

His work is all about « connections, encounters and colourful paths ». His work is his interaction with the world, but also a peaceful offer for the audience to interact with their own.

It’s a prompt to re-explore your surroundings in the same way he did as a child. So, ask yourself the question – If I were an extra-terrestrial, what would I think about the world? When you can answer this, you have a profound truth – you’ve just revealed to yourself what you’d like to change about the world, or more importantly how you need to change to make that happen.

Words:
Edd Norval

See original here : Compulsive Contents

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K.6.O.P Bleu Fushia

Acrylique sur toile 100×100 cm 2018 « K.6.O.P Bleu Fushia«

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Expérimentation minimaliste

Expérimentation minimaliste

Expérimentation minimaliste

« la simplicité est la sophistication suprême »
Léonard de Vinci :)

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Meganovableue

Meganovableue acrylique sur bois découpé 115×115 cm 2018

Meganovableue wip

Meganovableue wip

Meganovableue wip

Meganovableue wip

Meganovableue wip

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bruxelles 2018

bruxelles 2018
bruxelles 2018

bruxelles 2018

bruxelles 2018

bruxelles 2018

bruxelles 2018

bruxelles 2018

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Expo collective

Expo « take a breath »

Expo « take a breath »

Expo « take a breath »

Expo « take a breath »

Expo « take a breath »

Expo « take a breath »Photos par Fabe Collage

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Nicobaro,16HWM

Astroglyphe

Astroglyphe

Astroglyphe

Astroglyphe

Astroglyphe

Astroglyphe

SEIZE~NICOBARO – RENCONTRE DU 3ÈME TYPE – L’ASTROGLYPHE – ECAM – LE KREMLIN-BICÊTRE – photo par @dominique_dasse #happywallmaker #nicobaro #ecam #astroglyphe @ Espace Culturel André Malraux

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Deltanovahyperkromatikspace.

Deltanovahyperkromatikspace. Acrylique sur toile 120×120cm 2018

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« Analogikonumerikoglyphe » de l’analogique au digital , du numérique à l astroglyphe

Astroglyphe bleu à Château Thierry photo par Alex Perret

©16HWM-NICOBARO

« Analogikonumerikoglyphe »

« Analogikonumerikoglyphe »

« Analogikonumerikoglyphe »

« Analogikonumerikoglyphe » (Nicobaro)

Réflexion métaphysique d’une conscience cosmique

Un astre volant et mobile

Sphère lumineuse en lévitation, l’Astroglyphe apparaît furtivement, comme une conscience cosmique, une entité de lumière pacificatrice. Elle se téléporte au quatre coins du globe pour diffuser ses couleurs qui même contraires, sont porteuses d’une harmonie et d’un équilibre. Cet astre volant s’extraie du sol, et navigue par-delà le monde et l’univers. Cette mobilité est à la fois réelle et imagée. Composante essentielle du concept de cette installation, l’Astroglyphe est aussi dénommé : Mandala sphérique interactif magnetico – glyphe.

Ce mandala coloré et évolutif, fort d’une puissance évocatrice, est appréhendé dans cette installation comme une réflexion sur un Etre à la fois immatériel et invisible.

L’Astroglyphe nous propose bien une transcendance technique, qui dépasse les transcendances religieuses ou métaphysiques traditionnelles, car en effet il est chargé d’un code symbolique et interactif. On y retrouve une communication réciproque avec le public.

« La lévitation » est ici abordée en métaphore d’une certaine dimension poétique du langage universel. Au frontière de la science et du spirituel, l’œuvre se présente comme une invitation à une expérience astrale, de la couleur et d’une forme de pureté. S’extraire du sol comme levier de rêve et de l’imaginaire devient, grâce à l’Astroglyphe, réel.

« Analogikonumerikoglyphe «  from happywallmaker on Vimeo.

©16HWM-NICOBARO

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L’uniformisation de la culture masque la création artistique.

Nous vivons à l’ère de l’industrie culturelle, qui vise l’opinion de masse consensuelle, la convention et la normalisation du goût. Artistes à la mode, œuvres faciles, spectateurs bovins aguichés à coups de sanctifications médiatiques acritiques, lieux dédiés si possible spectaculaires (la récente Fondation Vuitton à l’orée du bois de Boulogne, la prochaine énième Fondation Pinault à l’ancienne Bourse de commerce de Paris…, outre les centres d’art institutionnels, en nombre) : on en est là. L’objectif, dont l’Occident fait dorénavant son fonds de commerce culturel, c’est le «Festivus Festivus», comme le désignait le regretté Philippe Muray. Il faut que l’art soit une fête qui se consomme comme se consomment aujourd’hui les séries TV, les sushis sans gluten, la naturopathie ou les romans de Houellebecq, Pancol ou Musso, en vrac.

Une forme de populisme ? 

Le «culturel» contre la culture, donc. Avec cette évidence : l’heure n’est plus guère à la surprise artistique, sauf conditionnée. JR, le nouveau Jean-Michel Jarre de l’art contemporain, intervient à l’île Saint-Louis ou au Panthéon en y exposant des portraits gigantesques, bravo, tout le monde applaudit. C’est grand (le macro sidère toujours le chaland), c’est sympa (on peut y aller avec ses enfants) en plus de quoi c’est social (pardi, il y a du vivant, dans les photographies exposées, des «vrais gens»). L’esplanade de La Défense, l’automne dernier, a été officiellement offerte aux tagueurs avec murs adaptés, de parfaits spots pour un spectacle de peinturlure offert en direct. Géant mes frères-mes sœurs ! De quoi se plaindre ? L’art contemporain est grand et l’artiste animateur des foules enchantées est son prophète. Vous avez dit populisme ? Vous établissez un parallélisme avec le Mélenchon et la Le Pen en politique ? Vous pourriez bien avoir raison.

Car il y a en l’occurrence le grand bazar d’abord, faisant mode, contre la création authentique, jamais assez valorisée. Création authentique, qu’est-ce à dire ? L’art fondé sur l’expérience artistique non racoleuse. L’art qui se fait dans son coin sans souci de publicité complaisante, dans les plis deleuziens de nos sociétés en vérité moins lisses que jamais, en dépit des apparences. L’art qui mobilise des phalanges d’artistes à tête chercheuse en quête de formes qui ne soient ni bénignes, ni commerciales ou futiles. Cet art-là, le seul qui vaille pourtant, qui invente le futur, bien peu d’entre nous le voient. Ne le cherchez dans vos revues sur papier glacé, qui fonctionnent à l’échange publicitaire. Et guère plus dans les publications spécialisées, de kiosque comme numériques, en perte de vitesse, promptes à s’aligner servilement sur l’actualité administrée – l’art contemporain à Versailles, Monumenta au Grand Palais… En vertu de l’adage warholien voulant que ce qui n’est pas vu n’existe pas, cet art-là et ses agents subissent la double peine. Pas vu donc pas glosé et vice-versa.
Est-ce que l’art qui a du sens existe encore ?
L’art où ne l’attend pas ? Il existe bel et bien, mais en sourdine. De qui parle-t-on ? De solitaires qui agissent en clandestins de la culture, soit qu’on ne donne pas assez d’écho à leur travail – en France, Hubert Duprat ou Joël Hubaut d’un côté, la grosse machine Buren de l’autre –, de collectifs qui balayent les campagnes françaises ou internationales – art nOmad, Superflex… – en y apportant, qui le jeu plastique, qui une création critique d’essence politique tournée contre la domestication des esprits. Suspended Spaces, collectif international d’artistes nomades animé par Françoise Parfait, Eric Valette et Daniel Lé, opère uniquement dans des lieux désertés : villes fantômes, no man’s land et autres lignes vertes balisant le territoire de la guerre globale. Les spectateurs ne se bousculent pas ? Les populations locales, en revanche, trouvent à cette création contextuelle, toujours inspirée par ce qu’elle trouve sur site, beaucoup d’intérêt. On sort là des abstractions générales de l’esthétique, des querelles clochemerlesques de la poétique plastique et des pulsions pathético-romantiques à l’héroïsme artistique. On évolue, aussi, à contre-courant de Georg Baselitz, de Jeff Koons, de Damien Hirst, fournisseurs patentés de musées pour petits-bourgeois planétaires et meilleurs alliés du capital et de son entreprise mondiale d’endormissement culturel. Et miracle – l’on s’adresse enfin non à un spectateur standard mais à cet acteur de la vie réelle, le citoyen, celui qui vit le lieu, sa réalité, ses spécificités, traumatiques souvent, qui en appellent à une légitime solidarité, serait-elle symbolique.

A Rojava, au fin fond du Kurdistan syrien en guerre, Jonas Staal a récemment créé un chapiteau où le «travail de l’art» a consisté, plusieurs jours durant, à mettre en scène un parlement de femmes combattant dans tous les domaines, contre l’exploitation machiste ou sexuelle, contre l’ignoble oppression religieuse des monothéistes, contre Daesh. A Detroit sinistrée, dans le Michigan, la vieille «Motor City» désindustrialisée qui a perdu un tiers de ses propriétés en vingt ans et où prospèrent l’abandon, la ruine et le crime, les artistes bénévoles du Heidelberg Project (South East District) ont su créer un chatoyant musée de plein air dont les créations, bien souvent collectives, expriment à chaud la détresse de populations livrées au mépris de classe et de race. Cet art-ci, pour sûr, n’est pas là où on l’attend. Puisqu’il n’est guère soluble dans l’économie de la culture, gageons que peu d’entre nous l’ont vu ou le verrons. Le fait est : nous n’habitons pas toujours le même monde.

Paul Ardenne pour Libération (2016)

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